Más dura será la caída

Crítica publicada en  Punto de Encuentro Complutense  el 19/04/2013 En  Diarios de Motocicleta , Walter Salles relataba con mano maestra el viaje que transformó a Ernesto Guevara en el ‘Ché’. Aquel viaje, que tuvo lugar en 1952, hizo que un acomodado estudiante de medicina tomara conciencia de los males que asolaban a América del Sur. Guevara, acompañado por su amigo Alberto Granado, cambió su orden de prioridades y se propuso cambiar el mundo con las luces y sombras que tan elevada empresa pudiera acarrear.

¿QUÉ FUE DE BABY JANE? (1962) Tuve la oportunidad de ver ¿Qué fue de Baby Jane? casi al mismo tiempo que Cisne negro y, desde entonces, son dos películas que van íntimamente ligadas en mi cabeza. Cuando terminé de visionar la obra protagonizada por Natalie Portman pensé: “Es una gran película, pero le falta algo para ser perfecta”. Poco después, le tocó el turno a ¿Qué fue de Baby Jane? y comprendí qué le faltaba —más bien le sobraba— a la película dirigida por Darren Aronofsky. Donde Robert Aldrich pone equilibrio, tranquilidad y mesura, el director de Requiém por un Sueño apuesta por la exageración, el exceso y el efectismo. Ambas hablan de la locura, pero lo hacen de maneras muy distintas.

LE HAVRE (2011), Aki Kaurismäki Aki Kaurismäki es uno de esos directores europeos que hacen de los festivales de cine su hábitat natural. El finlandés no es el único que sobrevive gracias a esa especie de reserva natural en que se han convertido estos certámenes. En la misma categoría podríamos incluir a cineastas como los hermanos Dardenne, Fatih Akin, Michael Haneke, Ken Loach, Thomas Vintenberg, Robert Guédiguian , Goran Paskaljevic o Lukas Moodysson. Incomprensiblemente, ninguno de estos directores consigue conectar con un público mayoritario.

LOST IN LA MANCHA (2002), Keith Fulton y Louis Pepe Terry Gilliam durante la presentación en Polonia de su última película,  The Zero Theorem : “Voy a intentar hacer Don Quijote otra vez. Creo que será mi séptimo intento y espero que sea el de la suerte. A ver si por fin se produce. En realidad sólo quiero hacerlo y deshacerme de él. Conseguir sacarlo fuera de mi vida”.

JANE EYRE (2011), Cary Fukunaga Debo comenzar esta crítica realizando una confesión, no he leído Jane Eyre . Tampoco he visto ninguna de las múltiples versiones que se han rodado sobre el clásico de Charlotte Brönte. Una vez reconocida mi ignorancia culpable sobre el original literario (que espero remediar cuanto antes), puedo empezar a valorar esta nueva adaptación dirigida con acierto por Cary Fukunaga.

CIUDAD DE VIDA Y MUERTE (2009), Lu Chuan Cuando uno acaba de ver Ciudad de Vida y Muerte le dan ganas de levantarse y aplaudir aunque se encuentre en medio del salón de su casa y nadie pueda escucharle. También se comprende por qué el jurado del Festival de San Sebastián decidió otorgarle en 2009 la Concha de Oro, en detrimento de la excelente El Secreto de sus Ojos . Incluso se celebra dicha decisión, porque sino hubiera sido por ese premio, quizás esta película hubiera pasado desapercibida para la gran mayoría de amantes al cine.

HOMBRES ERRANTES (1952), Nicholas Ray. “No hay caballo que no pueda ser montado, ni vaquero que no pueda ser derribado” . Esta frase se convierte en el leitmotiv de Hombres errantes , película dirigida en 1952 por Nicholas Ray y que tiene muchos paralelismos con la convulsa vida de este director, que acabó cayendo en adicciones y perdiendo hasta la cordura. The Lusty Men , ese es su título original, narra la historia de Jeff McCloud (Robert Mitchum), un ex campeón de rodeo, que decide alejarse de ese mundo y volver a sus orígenes. Tenía fama y dinero, pero lo desperdició influenciado por un entorno que te da tanto como te quita. Lo que ganas de día jugándote la vida, lo malgastas de noche en alcohol, juego y mujeres, en un circulo vicioso del que el protagonista intenta huir.

EL BAÑO DEL PAPA (2007), César Charlone y Enrique Fernández. Qué tendrá el cine suramericano, entre el que destaca especialmente el argentino, que todas sus historias nos parecen tan cercanas y conmovedoras. En este caso la película es uruguaya, pero nos vuelve a contar otra ‘historia mínima’, como esas que nos descubría Carlos Sorín en la película de mismo nombre allá por 2002. Los ejemplos son muchos, y es que quién no se ha emocionado con obras como Leonera, Familia Rodante, Herencia, El Sueño de Valentín, Un Oso Rojo o Bombón, el Perro ; y hablo de estas porque quizás sean más desconocidas. Todas ellas son argentinas, pero los vecinos del norte del Río de la Plata no quieren quedarse atrás y, aunque con menos medios, ya nos han regalado obras como Whisky o la protagonista de esta crítica, El Baño del Papa .

LA PRIMA ANGÉLICA (1973), Carlos Saura. Se cumplen 75 años del golpe de estado que desencadenó el estallido de la Guerra Civil Española. Han pasado tres cuartos de siglo y son pocos los testigos del conflicto que aun viven. La memoria del conflicto corre el peligro de desaparecer con aquellos que sufrieron en primera persona esta lucha fraticida, algo que no debe ocurrir, porque la historia nos enseña a no caer en los mismos errores. Tantos años, tantos muertos y tantas heridas aun por cicatrizar. Mientras haya víctimas descansando en fosas, no cerraremos el capítulo más triste de la historia de España. Y es que a pesar de la polémica que ha rodeado y rodea a la Ley de Memoria Histórica , no creo que nadie pueda negar a una persona el derecho a saber donde están enterrados sus familiares.

CUATRO MINUTOS (2006), Chris Kraus La profesora de piano protagonista de esta película e interpretada maravillosamente por Monica Bleibtreu, siempre le pide una reverencia a su alumna y ésta siempre se la niega. Tras mucho luchar junto y contra su discípula, ella se la acaba regalando en un acto de reconocimiento y cariño. Yo aprovecharé esta crítica a la película Cuatro minutos dirigida por Chris Kraus, para realizar mi particular reverencia al cine alemán. No es que yo tenga una especial predisposición hacia ese país, sino que durante los últimos años se han ganado a pulso la admiración de cualquier aficionado al cine.

SOSTIENE PEREIRA (1996), Roberto Faenza. Una adaptación perfecta de la obra de Antonio Tabucchi, eso es lo que es esta película dirigida por el italiano Roberto Faenza. No falta, ni sobra nada de la novela. Además consiguieron lo más difícil, encontrar a Pereira. En esta obra el gran Marcello Mastroianni es Pereira, tal y como te lo imaginabas cuando leías el libro. Sus limonadas, sus conversaciones con el retrato de su mujer, sus ‘encontronazos’ con la portera, sus debates con el cura, sus dudas sobre si despertar y luchar o seguir dormido y acomodado en la ignorancia,...

VIENTOS DE AGUA (2005), Juan José Campanella. Escribo este artículo con una única intención, que aquel que lo lea se anime a ver Vientos de Agua , la mejor serie que se ha realizado en España. Estrenada en Telecinco allá por el año 2005, duró dos semanas en antena. Y os preguntareis, “si es tan buena como tuvo tan poco éxito”. La explicación es fácil, en el país donde triunfan series como Física o química, Ángel o demonio o Ana y los 7 no tiene hueco una obra tan extraordinaria como Vientos de Agua . El mejor ejemplo lo vemos todas las semanas cuando se estrenan grandes series norteamericanas, que no calan entre los espectadores españoles. Mientras, series nacionales que se limitan a copiar las ideas norteamericanas para rehacerlas con menos tiempo, menos dinero y peor, alcanzan grandes audiencias. Es triste, pero tenemos lo que nos merecemos. Telecinco maltrató la serie trasladándola a las madrugadas, para posteriormente eliminarla de la parrilla con la excusa de su lanz...

LA JUNGLA DE ASFALTO (1950), John Huston. Un ladrón recién salido de la cárcel con un ‘ atraco perfecto ’ en su cabeza (Doc Erwin Riedenschneider), un pobre diablo que desea volver a sus orígenes y olvidar la podredumbre de la gran ciudad (Dix Handley), un abogado arruinado que no sabe como dejar atrás sus penalidades económicas (Alonzo D. Emmerich), un experto en reventar cajas fuertes con una familia a la que ofrecer una vida mejor (Louis Ciavelli), un corredor de apuestas voluble y asustadizo (Cobby), un camarero metido a chofer siempre dispuesto a ayudar a sus ocasionales compañeros (Gus Minissi), una joven con pocas luces y dispuesta a mentir para salvaguardar su modo de vida (Angela Phinlay) y una mujer enamorada de un hombre sin futuro (Doll Conovan). Este es el punto de partida de una de las mejores muestras de cine negro de la historia del séptimo arte.

ABAJO EL TELÓN (1999), Tim Robbins. Si el director de esta película fuera Woody Allen en vez de Tim Robbins, mucha más gente habría disfrutado con ella. De manera que cuando aparecen los títulos de crédito  uno se siente un privilegiado al haberse convertido en uno de los pocos que ha visto esta obra maestra. Y pongo el ejemplo del gran director neoyorkino porque esta película parece de Woody Allen, aunque no lo sea. Abajo el telón no tuvo éxito ni en EEUU (demasiado 'comunista'), ni en Europa. El film recaudó 3 millones de dólares y costó 36 según el ‘Box Office’, los números hablan de un rotundo fracaso. A lo mejor por eso su director, Tim Robbins, no ha vuelto a dirigir salvo una sátira contra Bush tras la infame guerra de Irak, porque el hombre de talento va sobrado como también demostró en Pena de Muerte . Quizás su reconocido izquierdismo no le ayude a sacar sus proyectos adelante, en un país en el que esa palabra aun causa recelos.

MILAGRO EN MILÁN (1951), Vittorio de Sica. El neorrealismo es un movimiento que surge en Italia tras la II Guerra Mundial. Las duras condiciones de vida durante la posguerra se convierten en el ‘leitmotiv’ de las películas surgidas al calor de esta nueva manera de ver el cine. Si algo une a estas obras es la autenticidad y la sinceridad que transmiten cada uno de sus fotogramas. Ver ciudades como Roma en Roma, ciudad abierta (1945) o Berlin en Alemania, año cero (1948), poco después de finalizado el conflicto tiene un valor histórico imprescindible. Este tipo de películas son las que no deberían caer en el olvido, porque son CULTURA. Y sé que puede dar pereza ponerse a verlas; son antiguas, en blanco y negro, para cinéfilos, pero eso no son más que excusas sin fundamento, porque el esfuerzo es mínimo y la recompensa muy grande.

ESTA TIERRA ES MÍA (1943), Jean Renoir. Tiene fallos, es propagandística, moralista, anticuada, ingenua… y qué. Esta película sigue teniendo una fuerza descomunal 67 años después de ser filmada y si ahora es así, no me quiero imaginar lo que debió de ser verla en esos convulsos años. En plena II Guerra Mundial, Jean Renoir rueda una película en defensa de la democracia, la libertad y los derechos humanos con el objetivo de que EEUU se implique en un conflicto, al que solo accedieron cuando sus bases de Pearl Harbor se vieron arrasadas por los kamikazes nipones.

MÁS DURA SERÁ LA CAÍDA (1956), Mark Robson. No soy fumador, pero me hubiera encantado encontrarme cara a cara con Humphrey Bogart y pedirle que compartiera un cigarrillo conmigo, porque nadie ha fumado mejor en la historia del cine. A ello ayudaba ese blanco y negro que transformaba el humo en nubes con cuerpo y alma. Tampoco hubo nadie que apurara las copas como él, por todo ello me encantaría departir durante unos minutos junto al mítico actor acompañados por una botella de whisky y un pitillo. El problema es que hace ya 54 años que 'Bogie' abandonó este mundo. Le derrotó un cáncer de esófago que ya sufría durante el rodaje de ‘Más dura será la caída’, a la postre su último servicio al mundo del cine. Y se despide, como no podía ser de otra manera, con una auténtica obra maestra. Más dura será la caída se estrenó un 9 de mayo de 1956 y Bogart fallecía poco después, concretamente un 14 de enero de 1957. En su última película interpreta a un periodist...