Más dura será la caída

1. DEL REVÉS, Pete Docter y Ronnie del Carmen 2. LA NOVIA, Paula Ortiz 3. SPOTLIGHT, Thomas McCarthy 4. LA INVITACIÓN, Karyn Kusama 5. TECHO Y COMIDA, Juan Miguel del Castillo 6. LA HABITACIÓN, Lenny Abrahamson 7. EL RENACIDO, Alejandro González Iñárritu 8. YO, ÉL Y RAQUEL, Alfonso Gómez-Rejón 9. LOS ODIOSOS OCHO, Quentin Tarantino 10. LA BRUJA, Robert Eggers

Artículo publicado en  Punto de Encuentro Complutense  el 25/01/2012 Clint Eastwood vuelve a las carteleras este fin de semana con J.Edgar y esta vez tampoco veremos su recio aunque ajado rostro. El actor que saltó a la fama interpretando al ‘hombre sin nombre’ en la mítica ‘trilogía del dólar’ de Sergio Leone, solo aparece en los títulos de crédito como director. Los que quieran volver a disfrutar con el Eastwood actor, verán escuchadas sus plegarias próximamente. El intérprete se pondrá delante de las cámaras en Trouble With The Curve, una película dirigida por Robert Lorenz (su asistente en Million Dollar Baby, Los Puentes de Madison o Mystic River) , en lo que parece un favor personal a su habitual colaborador.

Crítica publicada en  Punto de Encuentro Complutense  el 19/04/2013 En  Diarios de Motocicleta , Walter Salles relataba con mano maestra el viaje que transformó a Ernesto Guevara en el ‘Ché’. Aquel viaje, que tuvo lugar en 1952, hizo que un acomodado estudiante de medicina tomara conciencia de los males que asolaban a América del Sur. Guevara, acompañado por su amigo Alberto Granado, cambió su orden de prioridades y se propuso cambiar el mundo con las luces y sombras que tan elevada empresa pudiera acarrear.

1. BOYHOOD, Richard Linklater 2. BIRDMAN, Alejandro González Iñárritu 3. MAGICAL GIRL, Carlos Vermut 4. EL GRAN HOTEL BUDAPEST, Wes Anderson 5. RELATOS SALVAJES, Damián Szifrón 6. PERDIDA, David Fincher 7. LA ISLA MÍNIMA, Alberto Rodríguez 8. INTERSTELLAR, Christopher Nolan 9. GUARDIANES DE LA GALAXIA, James Gunn 10. CALVARY, Michael McDonagh

¿QUÉ FUE DE BABY JANE? (1962) Tuve la oportunidad de ver ¿Qué fue de Baby Jane? casi al mismo tiempo que Cisne negro y, desde entonces, son dos películas que van íntimamente ligadas en mi cabeza. Cuando terminé de visionar la obra protagonizada por Natalie Portman pensé: “Es una gran película, pero le falta algo para ser perfecta”. Poco después, le tocó el turno a ¿Qué fue de Baby Jane? y comprendí qué le faltaba —más bien le sobraba— a la película dirigida por Darren Aronofsky. Donde Robert Aldrich pone equilibrio, tranquilidad y mesura, el director de Requiém por un Sueño apuesta por la exageración, el exceso y el efectismo. Ambas hablan de la locura, pero lo hacen de maneras muy distintas.

Subiendo por la Calle Santa Isabel, después de haber callejeado por el multicultural y republicano —así lo atestiguaban los adornados balcones— barrio de Lavapiés, uno se encuentra con el vetusto Cine Doré. Vivimos un tiempo en el que encontrar una sala de cine en el centro de Madrid se ha convertido en una quimera, obligando a los espectadores a exiliarse a los centros comerciales de la periferia. La (in)cultura del consumo se ha instalado en la capital de España y los cines han sido sustituidos por tiendas de ropa. Por esa razón el Doré se erige como símbolo de un Madrid que desaparece.

LE HAVRE (2011), Aki Kaurismäki Aki Kaurismäki es uno de esos directores europeos que hacen de los festivales de cine su hábitat natural. El finlandés no es el único que sobrevive gracias a esa especie de reserva natural en que se han convertido estos certámenes. En la misma categoría podríamos incluir a cineastas como los hermanos Dardenne, Fatih Akin, Michael Haneke, Ken Loach, Thomas Vintenberg, Robert Guédiguian , Goran Paskaljevic o Lukas Moodysson. Incomprensiblemente, ninguno de estos directores consigue conectar con un público mayoritario.

Nadie en varios kilómetros a la redonda sabría decir su nombre. Llegó montado en su caballo. ¿De dónde venía? ¿Adónde iba? Preguntas sin respuesta. Sus botas con espuelas, su canana repleta de balas, su poncho lleno de polvo y su sombrero ladeado. Verle disparar a la velocidad de la luz mientras mascaba tabaco era algo digno de admiración. Cuando abandonó el pueblo evaporándose en medio de la calima, el reguero de casquillos era igual al de forajidos. -¡Luisito! No asustes a tu hermana con esas historias y quítate todas esas chuminadas que vamos a comer. - Mamá, ¿me das unas monedas para ir otra vez al cine esta tarde? Roberto C. Rascón ( @rcrascon )

1. PRISIONEROS, Denis Villeneuve 2.  ANTES DEL ANOCHECER, Richard Linklater 3. 12 AÑOS DE ESCLAVITUD, Steve McQueen 4. NEBRASKA, Alexander Payne 5. GRAVITY, Alfonso Cuarón 6. EL LOBO DE WALL STREET, Martin Scorsese 7. LA GRAN BELLEZA, Paolo Sorrentino 8. LAS VIDAS DE GRACE, Destin Cretton 9. A PROPÓSITO DE LLEWYN DAVIS, Joel Coen & Ethan Coen 10. RUSH, Ron Howard

LOST IN LA MANCHA (2002), Keith Fulton y Louis Pepe Terry Gilliam durante la presentación en Polonia de su última película,  The Zero Theorem : “Voy a intentar hacer Don Quijote otra vez. Creo que será mi séptimo intento y espero que sea el de la suerte. A ver si por fin se produce. En realidad sólo quiero hacerlo y deshacerme de él. Conseguir sacarlo fuera de mi vida”.

Uno se sienta para volver a ver El hijo de la novia con cierto miedo. Cuando una película gusta tanto la primera vez, siempre surgen dudas sobre si la segunda será igual. Con la obra maestra de Campanella, las dudas se disiparon rápido. En cuanto uno entra en esta historia sobre la VIDA, así con mayúsculas, nada es capaz de empañar casi dos horas en un estado cercano a la felicidad. Te dejas llevar por una magnífica narración que entremezcla risas y lagrimas con una facilidad asombrosa de la mano de un reparto en estado de gracia (Ricardo Darín, Héctor Alterio, Norma Aleandro, Eduardo Blanco, Natalia Verbeke,...) Y hablan y hablan, pero no sobra ni una coma. Y uno encuentra tantas frases para guardar en la memoria que, al final, las acaba plasmando en un blog para que no se le olviden. Especialmente, una de las declaraciones de amor más bellas de la historia del cine, sin necesidad de que la persona amada esté presente porque con la mirada de un enorme actor como Héctor Alteri...

La mejor juventud (2003) es una miniserie hecha en Italia que, pese a su formato televisivo y su duración cercana a los 400 minutos, se alzó con 6 David de Donatello (Premios de la Academia del Cine Italiano) incluyendo el de mejor película. Incluso llegó a estar nominada a los Premios del Cine Europeo y se alzó con el máximo galardón en la sección 'Un Certain Regard' del Festival de Cannes. Pero no voy a escribir sobre la consabida calidad de la obra de Marco Tulio Giordana, sino para llamar la atención sobre el increíble parecido entre uno de sus protagonistas, Alessio Boni, y el 'hollywoodiense', Hugh Jackman. Sin más dilación, juzguen ustedes mismos:

EL TOPO (2011), Tomas Alfredson La vida de los espías es aburrida. Esa es una de las conclusiones que uno obtiene tras visionar El Topo . Acostumbrados a la imagen irreal de los espías que nos ha vendido el cine, con James Bond a la cabeza y sus mujeres despampanantes, sus coches de lujo y sus martinis “agitados, no removidos” como complementos, sorprende la perspectiva que nos ofrece Tomas Alfredson. Ha tenido que llegar un director sueco, para brindarnos un retrato creíble del espionaje. Un mundo en el que no hay lugar para la sonrisa, y en el que el disimulo, la vigilancia y el papeleo sustituyen a los divertimentos anteriormente citados de 007.

CISNE NEGRO (2010),  Darren Aronofsky Asombrosa, espectacular, soberbia, genial, extraña, inquietante, enfermiza, obsesiva, compleja, morbosa, bizarra, angustiosa… Se podrían llenar hojas y hojas con adjetivos que le irían como anillo al dedo a la última obra de Darren Aronofsky. Pero no todo pueden ser parabienes para ‘Cisne negro’, que está lejos de la perfección que proclama su protagonista. Es una película desequilibrada, que levantará tantas pasiones como odios y no dejará a nadie indiferente. En definitiva, puro cine.

JANE EYRE (2011), Cary Fukunaga Debo comenzar esta crítica realizando una confesión, no he leído Jane Eyre . Tampoco he visto ninguna de las múltiples versiones que se han rodado sobre el clásico de Charlotte Brönte. Una vez reconocida mi ignorancia culpable sobre el original literario (que espero remediar cuanto antes), puedo empezar a valorar esta nueva adaptación dirigida con acierto por Cary Fukunaga.

EL ÁRBOL DE LA VIDA (2011), Terrence Malick El cine es un arte y como tal está abierto a múltiples interpretaciones. El último ejemplo de ello lo hemos tenido con El Árbol de la Vida . La película de Terrence Malick , ese esquivo director que ha rodado 5 películas en 38 años, ha dividido a crítica y público. Para unos, una obra maestra, para otros, un tostón. Su estreno en España tuvo lugar hace varias semanas y con la perspectiva que da el paso del tiempo, quizás haya llegado el momento de analizar la polémica que ha rodeado a este complejo film.

1. BLANCANIEVES, Pablo Berger 2. SEARCHING FOR SUGAR MAN, Malik Bendjelloul 3. ARGO, Ben Affleck 4. EN LA CASA, François Ozon 5. LA CAZA, Thomas Vinterberg 6. BESTIAS DEL SUR SALVAJE, Benh Zeitlin 7. EL CABALLERO OSCURO: LA LEYENDA RENACE, Christopher Nolan 8. AMOR, Michael Haneke 9. DJANGO DESENCADENADO, Quentin Tarantino 10. LA NOCHE MÁS OSCURA, Kathryn Bigelow

1. THE ARTIST, Michel Hazanavicius 2. NADER Y SIMIN, Asghar Farhadi 3. INTOCABLE, Olivier Nakache y Erik Toledano 4. LOS DESCENDIENTES, Alexander Payne 5. LA INVENCIÓN DE HUGO, Martin Scorsese 6. MIDNIGHT IN PARIS, Woody Allen 7. ARRUGAS, Ignacio Ferreras 8. MELANCOLÍA, Lars Von Trier 9. JANE EYRE, Cary Joji Fukunaga 10. SHAME, Steve McQueen

CIUDAD DE VIDA Y MUERTE (2009), Lu Chuan Cuando uno acaba de ver Ciudad de Vida y Muerte le dan ganas de levantarse y aplaudir aunque se encuentre en medio del salón de su casa y nadie pueda escucharle. También se comprende por qué el jurado del Festival de San Sebastián decidió otorgarle en 2009 la Concha de Oro, en detrimento de la excelente El Secreto de sus Ojos . Incluso se celebra dicha decisión, porque sino hubiera sido por ese premio, quizás esta película hubiera pasado desapercibida para la gran mayoría de amantes al cine.

HOMBRES ERRANTES (1952), Nicholas Ray. “No hay caballo que no pueda ser montado, ni vaquero que no pueda ser derribado” . Esta frase se convierte en el leitmotiv de Hombres errantes , película dirigida en 1952 por Nicholas Ray y que tiene muchos paralelismos con la convulsa vida de este director, que acabó cayendo en adicciones y perdiendo hasta la cordura. The Lusty Men , ese es su título original, narra la historia de Jeff McCloud (Robert Mitchum), un ex campeón de rodeo, que decide alejarse de ese mundo y volver a sus orígenes. Tenía fama y dinero, pero lo desperdició influenciado por un entorno que te da tanto como te quita. Lo que ganas de día jugándote la vida, lo malgastas de noche en alcohol, juego y mujeres, en un circulo vicioso del que el protagonista intenta huir.